Hamlet
Janus Egyetemi Színház, Pécs. Rendezte: Tóth András Ernő
Nem nehéz kitalálni, hogy a JESZ
miért tűzte műsorára a klasszikus Shakespeare-művet, a Hamlet dán tragédiáját.
Mert, mint ahogy a pécsi egyetemi színház történetében annyiszor – lásd Dürrenmatt:
„A nagy Romulus”, Weöres Sándor: „A kétfejű fenevad”, és még sorolhatnánk - a
hatalomról szól ez a 17. század elején készült alapmű is. A hatalom csellel,
ármánykodással történt megszerzéséről, majd a hatalom erőszakkal, fondorlattal,
tekintély-technikákkal véghezvitt megtartási kísérleteiről, végül a hatalom
tragikus, a szerzők-nézők szerint rendszerint jól megérdemelt összeomlásáról,
elvesztéséről. A Hamlet tematikája, szereplőinek jellemei minden olyan korban,
és országban, királyságban, köztársaságban egyaránt aktuálisan beilleszthetők
az adott társadalom kulturális vérkeringésébe, ahol a társadalmat vezető
hatalmi formációval valami baj van, működésének zavarai az emberek mindennapi
kapcsolatait mételyezik, vagy legalábbis fennáll ennek veszélye. A bitorolt
hatalommal elfojtott igazság, a bűn leleplezésének vágya, erkölcsi szükséglete,
az egyén dilemmái az igazság feltárásával, kimondásával járó veszélyekkel
kapcsolatban, a tett bátorsága, vagy a gyáva hallgatás közötti választási
kényszer a 20-21. századi modern ember, polgár, értelmiségi napi szorongást
okozó gondja.
A
Hamlet sok író, irodalmár, kritikus szerint Shakespeare, de egyúttal a
világirodalom legjobb, leginkább lényeglátó, legnagyobb hatású tragédiája.
Történetének alapja egy 13. századi dán történetíró, Saxo Grammaticus „A dánok
története” című művéből a 16. században a francia Belleforest drámája, illetve
ennek Thomas Kyd angol fordítása és felújítása volt 1594-ben. Ezt olvashatta
Shakespeare, s alkotott belőle tragédiát, mely először 1602. július 26-án
jelent meg nyomtatásban, Londonban. A dán alapmű legendákra épül, így
Fortinbras norvég herceg dán és lengyel hadjáratainak történeti hitelessége
kérdéses. De utóbbi a dráma fő motívumainak szempontjából nem lényeges. A
harcban és a királyságban sikeres vezető, király, hadvezér erőszakkal, fondor
módon történt megölése, megöletése a felesége által, majd a hatalomvágyó,
gonosz és csalárd asszony új férjével, szeretőjével közösen bitorolt
hatalomgyakorlása, végül bukásuk mítoszok, legendák tárgya. Ilyen volt Klütaimnésztra
merénylete Agamemnón mükénéi király ellen, majd uralkodása Aigiszthosszal. De történt
hasonló eset a történelmi valóságban is, lásd II. Philipposz makedón király
megöletése negyedik felesége, Olümpiasz által, fia, Alexandrosz, a későbbi Nagy
Sándor érdekében.
A
Hamletnek sok nevezetes rendezése, előadása volt már a 19. században, majd
különösen a háborúk, hatalmi váltások 20, századában, Európa sok országában. Legendák
szóltak az angol Laurence Olivier klasszikus Hamlet-alakításáról.
Magyarországon Gábor Miklós volt a leghíresebb Hamlet. Nagy vitákat váltott ki
Alföldi Róbert Hamlet-értelmezése 2012-ben. Bagossy László az Örkény Színházban
rendezte meg a tragédiát Polgár Csabával a főszerepben. Pécsett is játszották,
a hatvanas években Dávid Kiss Ferenc alakította a dán királyfit. (Az előadásra
és a főszereplő alakítására e sorok írója is emlékszik.) Több filmváltozatát is
láthattuk a híres tragédiának. Olivier nemcsak játszotta, hanem rendezője is
volt az 1948-ban készült angol filmnek. Franco Zefirelli 1990-ben rendezte
Hamletjét, Mel Gibsonnal a főszerepben, Gertrud királynőt Glenn Close
játszotta, a film zenéjét szerezte Ennio Morricone. A nagy Shakespeare rendező,
Kenneth Branagh 1996-ban készítette Hamlet filmjét, saját maga játszotta a
főhőst.
A
darab első magyar fordítója Kazinczy Ferenc volt, majd a magyar színpadokon
hosszú ideig az Arany János féle fordításban játszották a Hamletet, színészek,
diákok szállóigeként idézték a nagy magyar költő klasszikus sorait. A legutóbbi
időben Nádasdy Ádám mai modern magyar nyelven írt Hamlet-változatát játsszák a
színházak.
Tóth
András Ernő is nagyrészt a Nádasdy féle fordítást adja fiatal színészei
szájába, számítva arra, hogy a JESZ ifjú közönségének jobb füle lesz a modern
mai szöveg hallására. Így az apja szellemének parancsára szorongva reagáló
Hamlet „Kizökkent az idő, - ó kárhozat! Hogy én születtem helyre tolni azt” ismert
Arany-szövege helyett ezt halljuk: „A világ szétesett, átok ül rajtam, mert
arra születtem, hogy összerakjam.” Itt a Nádasdy-sorok mai nyelven még tökéletesebben
adják vissza az eredeti mondanivalót, mint a klasszikusok.
A nevezetes „Lenni vagy nem
lenni” nagymonológot viszont kétszer halljuk, először Hamlettől a modern
szöveggel: „Lenni vagy nem lenni, ez a nagy kérdés”, azután Ophelia megismétli
a monológot (első részét) a közismert változatban.
A
rendező, Tóth András Ernő a hatalmi harcok, helyezkedések erkölcs- és
jellemtorzító hatására helyezi a hangsúlyt a JESZ színpadán. Rendezői
koncepcióját számos egyéni ötlettel, húzással, poénnel valósítja meg. Csak
néhány álljon itt ezek közül, melyeket a kritikus is értékelt. A Szellemet
különleges fénytechnika és tagolt mozgás teszi „szellemessé”. Hamlet azzal
teszi bizonytalanná Opheliát iránta érzett szerelmében, hogy hosszú ideig
szótlanul paradicsomot fal, rondán zabál, közben a szétszabdalt
paradicsom-darabok fröcskölnek, az asztalon szétmállanak, a földre hullnak.
Olyan, mintha mindent összevéreznének. Tulajdonképpen azt is teszik,
szimbolikusan előrevetítve a szereplők életében hamarosan bekövetkező véres
végkifejletet. Hamlet a nagymonológban kifejtett világlátását, filozófiáját az
élet és halál értelméről, a tett kényszeréről, a gyávaság meghaladásáról nem
szólóban - ahogy a legtöbb Hamlet-adaptációban látható - fejti ki, hanem
szerelmének, Opheliának mondja el, egy nagyon szép jelenetben, ahol a monológ
közben két tenyerébe fogja a lány arcát, ezzel is bizonyítva szerelmét,
tulajdonképpen értésére adva, hogy őrültsége megjátszott. Majd Ophelia bízva
Hamletje iránta érzett szerelmében átadja Hamlet szavait édesapjának, Poloniusnak,
mintegy meggyőzendő apját szerelmese igaz szaváról. Polonius a JESZ
rendezőjének felfogásában nem egészen alávaló talpnyaló, hanem a hatalmi
kényszerűségeket okosan felismerő politikus elme, aki persze kompromisszumokat
köt, sőt megalkuvó lépéseket tesz, de eközben szerető és felelősségteljes
családapa, aki féltve óvja két gyermekét a királyi udvarban gyakorta előforduló
hitványságok és csalárdságok fertőjétől. Hamlet által okozott halála éppen
ezért csak részben értelmezhető bűnhődésként. Polonius leszúrásának jelenete
kettős dramaturgiai funkciót hordoz: egyrészt Claudius király elveszti
szövetségesét, szellemi támaszát, másrészt Hamlet első tényleges, bár
sikerületlen tettét jelenti apja gyilkosainak megbüntetéséhez. ( A színészek
példázatdarabjának játszatása Hamlet első, szimbolikus tett-kísérletének
számít.) A Hamlet színház a színházban kulcsjelenetét igen színvonalasan
oldotta meg a rendező, és kiválóan kivitelezik a szereplők. Tóth András igen
frappáns módon vitte színre a sírásó jelenetet a két pörlekedő nőszemély
harsány, de elementáris előadásában. A kulminációs Hamlet-Laertes párviadal a
bűnösök bűnhődésével és a főhős tragikus halálával korrekt és mértéktartó, a
kardcsata nem vívóparádé, a feszültséget a szereplők drámai magatartása
hordozza. Igen eredeti a végkifejlet jelenete: Fortinbras, a norvég herceg az
ölébe hullott hatalmat magáévá téve katonáival átfesteti az uralmi
szimbólumként szolgáló országzászlót. Könnyű dolga van, hiszen csak a vörös
alapú dán zászló fehér keresztjét kell átsatírozni kékre, hogy az norvéggé
váljon.
A
JESZ rutinos régi gárdája megbízható színvonalon valósítják meg a rendező
elképzeléseit. A fiatal Zakariás Mátét csak dicséret illetheti a címszerep
alakításáért. Hitelesen adja vissza a még tettre képtelen, tépelődő főhőst, a
megjátszott őrültség mögött sejteti az értelmet és az érzelmet, utóbbit például
az említett Ophelia-monológ jelenetben, és tud határozott, kemény is lenni, ha
kell, mint a királynő anyjával megvívott szócsatában. Inhof László jelentősebb
személlyé tudja tenni Claudiust, érzékelteti a hatalommal élés kínos
nehézségeit. Mikuli János egyik legkiválóbb színészi teljesítményét produkálja
Polonius főtanácsnok nem éppen egyszerű karakterének megformálásával. Igen
meggyőzően alakítja a szigorú, de szerető apát, a darab elején a fiának adott
tanácsok monológját kiválóan adja elő. Pásztó Renáta jól oldja meg nem könnyű
szerepét, a királynő fiával vívott csatájában őszinte érzelmeket is meg tud
villantani. Ophelia szerepében Vlasits Barbara nem a riadt kislányt játssza,
hanem a szerelméhez hűségesen ragaszkodó, becsületes leányt, őrülési jelenetét
nem játssza túl, alakítása pszichésen hiteles. Az első színészt alakító Szabó
Márk József hibátlanul oldja meg nehéz szerepét, monológjában nem deklamál
túlzottan, az értelmes szövegmondásra koncentrál. Kiemelhető Ahmann Tímea és
László Virág, valamint későbbi előadásban Hollosi Orsolya kettőse, a sírásók
jelenetét fergetegesre varázsolják, kiváló szövegmondással, mimikával és
mozgással. Kuti Gergely határozott játéka hozzátesz a szerző által talán
legkevésbé karakteressé tett Laertes szerepéhez. A mellékszereplők: Ágoston
Gáspár, Horváth Marin, Kecskés Alexisz, Tál Achilles színvonalas
szövegmondással egészítik ki a színészi összképet.
A
díszletek egyszerűen célratörőek. Herczig Zsófia stilizált jelmezei egyfajta
kortalanságot kölcsönöznek a hatalmi játszmák személyi áldozatainak karakterei
részére, nem túlzottan korhűek, inkább korszerűek. Rozs Tamás zenéje sajátosan
fokozza a jelenetek feszültségét, a sikolyszerű hangeffektusok hátborzongatóvá
teszik a szellemjelenetet, a drámai sűrűsödések színpadi jelenései közben az
ütőhangszerek hangzásának fokozatos erősödése, elhallgatása, majd ismételt
megszólalása a tragédia fő hangsúlyait erősítik. Az asszisztens Szegedi Edit
Anna, valamint a hangosítást, világítást végző Tolnay Donát, Konkoly István
tisztességgel hozzájárultak az előadás összértékéhez. Utóbbiak remekeltek a
nyitójelenet megvalósításában.
A
Janus Egyetemi Színház Hamlet-előadása ajánlható minden embernek, aki a
mindenkori hatalmi torzulások, rossz döntések társadalomra, a személyek közötti
viszonyokra, az egyéniség, az emberi jellem minőségére ható következményeit
végiggondolni képesek és e gondra érzékenyek.
Rozs András
Kibicsaklott világ - kizökkent idő
Jesz: Hamlet
Vannak művek,
amelyek - a /le/kötelező félreértelmezések során - időről-időre különös
figyelmet keltenek maguk iránt. Habár értelmükből minden alkalommal valami
nélkülözhetetlenül fontosat fednek föl, mégis, az az érzésünk, hogy a velük
való találkozás után legalább annyi megfejtendőt tartalmaznak, mint előtte.
Nemigen képezheti vita tárgyát, hogy az első helyek egyikén / sőt!/ a Hamlet is
ezen művek közé tartozik. Gazdag televényből sarjadó gyakorlat és a legéteribb
értelmezések próbálnak a jelenségre magyarázatot adni, sok esetben sikerrel, de
be kell látnunk, mindig hátrahagyva egy adag hiányérzetet. Akárhogy is van, ezek
a művek kézen fogva, szelíd, de ellentmondást nem tűrő határozottsággal vezetnek
át bennünket az élet világából / végtelen számú kérdések/ a létbe /egy-két
életbevágóan végső kérdés/, ahol magunkra hagynak bennünket, pontosabban:
szembesítenek önmagunkkal. És mindezt úgy teszik, hogy a két tartomány közti
közlekedés nem szűnik meg, mert a kölcsönös összekötöttség híján az egyik
vértelenné válna, a másikat pedig – a gondolat betegítené halaványra. Így van
ez tehát a Hamlet esetében is. Mindez fokozott figyelmet, odaadó részvételt, és
ne kerülgessük, egyetemes felelősséget kíván a résztvevőktől: rendezőtől,
színészektől, nézőtől.
Dánia börtön,
mondja Hamlet az ő után szaglászó „jóbarátoknak”, s a komor szóval jelölt
képzet mintha kiindulópontja lenne a Jesz előadásának. A játéktér a
földalattiság, az üregszerűség, képzetét kelti - a tér nézők általi leszűkítésével
/ez nem lenne „kötelező”/ a bezártság, a lehatároltság élménye még inkább
érvényesül. A fekete falakból, zugokból, sarkok felől a hol jobban, hol
kevésbé, de mindig fenyegetően lappangó/ sűrülő homály szorongatóan szüremlik
elő. Remények és rémek néznek egymással farkasszemet ebben a siváran sötétlő
világban / Kosztolányi szerint Shakespeare korában a tragédiákat fekete
drapériák előtt játszották/, ahol a leszűkített tér tehát még inkább korlátot
állít a szereplők mozgása elé, világossá téve, hogy mindezek a korlátok az
egyre reménytelenebbül szabadulni igyekvő lélek egyre elviselhetetlenebb
feszültségeinek a leképeződései. Persze mondhatnánk: a Jesz játéktér adottságai
olyanok, amilyenek, ugyanakkor azt kell hangsúlyoznunk, hogy az már egy
szerencsésen és nagyvonalúan kimunkált koncepció eredménye, ha a rendező, Tóth
András Ernő az adottságokat /is/ meggyőzően hatásos vízió kifejezésére tudja
felhasználni, márpedig ebben az előadásban erről van szó.
Mindjárt ezt
jelzi a valódi történéseket elindító több értelmű „nyitókép”, a szellem
megjelenése, ahogy füstösen lobogó fáklyájával a túlvilági sötétségből kiemelkedve
bevilágít az innenső sötétbe/homályba, s ez a többértelműség, mint kiderül,
végigkíséri a darabot.
Érzékelteti a
sötétség mélyét, a fény megváltást ígérő jelentőségét, egyúttal a szó
megvilágító szerepét, emellett a láng szemkápráztató: eltűnése után
következhetne a felocsúdás, a tisztánlátás ideje, de az is lehet, hogy éget,
eléget is, hiszen a szorosan egymáshoz hajló apa és fia mintha bele is
veszhetne a vakító lobogásba. De van még néhány ehhez hasonlóan emlékezetes
jelenet. Hamlet és Ophélia első találkozásakor hosszan kitartott, szótlan
egymásra nézésük, hiába leplezné magát a herceg a nyegle paradicsomevéssel, az
egymás iránti figyelem minden ígéretének és a teljes megsemmisülésének alig
elviselhető, még a szerelmen is túli élményét ill. sejtelmét közvetíti. Hamlet
a nagymonológot a rémült Ophélia arcába hajolva mondja el: lehetne-e méltóbb és
kétségesebb kifejezése a /szerelmi/ szenvedélynek mint a viaskodó lélek
legmélyének ez a föltárása a feltétlen önátadás/vallomás - és a minden
hiábavalóságának erőterében? S annak ellenére és azzal együtt van ez így, hogy
Ophélia érti miről van szó, mikor apjának /vagy magának?/ ismétli el Hamlet
szavait / a „régibb”, az Arany János-i nyelven/, a gesztustól talán belső
feloldozást is várva, hiszen tudja, tudnia kell, hogy apja számára mindez mint
egy virtuális világ üzenete létezik csupán, azaz semmit sem képes megérteni
belőle. Ophéliánál maradva: megrendítően és viszolyogtatóan hatásos az a
jelenet is, amikor megbomlása után valami asztal alá fekszik, nem: begyűrődik
oda, hogy mindjárt utána a király ölében kedveskedve jelenítődjön meg egy
megbomlott világ ijesztő pillanata.
Az előadás
feszességét, a mindenütt jelen lévő feszültséget tapinthatóvá tevő rendezői
elképzelés annak
kémlelése, miféle esély létezhet ebben a homályba zárt világban, ahol egy értelmezés szerint, a főhős életformája a
lenni, annyi mint nem lenni, ami másképpen kifejezve azt jelentené, hogy az
autentikus létezés modern formája: „totális csőd – abszolút siker.”, mert ez a
siker, leszámítva a tanúságtevés fenségét, már-már teljes pusztulással jár. A
folyamat során aztán kiderül, hogy hiába a megszenvedett válasz, a kérdésekre
újból és újból választ kell adnunk, miközben elkerülhetetlen, hogy új kérdések
merüljenek föl, azaz elkerülhetetlen, hogy szakadatlan átrendeződés tanúi és
alanyai legyünk.
Mindezt jól
szolgálják a fent jelzett modulációk, a súlypontáthelyezések, a szótlan
egymásra nézések kifeszített pillanatai, a valamire várakozás csendjei - ezek
egyúttal lassítják is az egy-egy helyen kissé statikussá váló tempót, miközben a
sötétség, a levegőtlen homály is „lenyomja”, fojtogatja a jelenségeket,
akciókat. A szűkre szabott tér következtében a mozgások ugyanakkor
szükségszerűen redukálódnak, miközben az éles váltásokkal ezek eredményeképpen
is, általában intenzívebbé válnak.
Külön kérdés
lehetne a díszlet szinte teljes hiánya /ez megfelel a korhűségnek/, ill. a
jelmezek /napjaink hétköznapi viselete/ alkalmazása. Furcsa módon, nyilván az
utóbbiak főképp, a figyelmes szemlélőt megszokott környezetéből kiemelve, az
időtlenség, az elvontság irányába vihetnek el a történés során, persze csak
akkor, ha a néző képes és hajlandó felfedezni a külső és belső közti, a
mindennapok környezetében is jelen lévő, vagy éppen ennek következtében éleződő
diszharmóniát. /Mindennek nem mond ellent, hogy egy – egy, különösképpen a
kitűnő sírásó-jelenet, a maga frivol hétköznapiságával, köt vissza a – hétköznapiságba,
persze a letisztultan komplikált Shakesperae-i
polifónia jegyében./
Az előadás
szerves része a közönség is. Bizonyos kapcsolódást jelenthet a szereplőkkel a
külső megjelenés /ruházat/ egyneműsége, illetve az, hogy a nézők közvetlenül a
színpad mellett, a szereplők közvetlen mozgásterében, személyes szférájában
helyezkednek el. A félhomály, a sötétség mindenkit elfátyoloz, a világosság is
mindenkire nagyjából egyforma mértékben esik-távolodik, a szavakból,
várakozásokból, indulatokból összeszövődő feszültség hullámzó intenzitása pedig
mindenkit hálójába fog.
A szereplők
közül a Claudiust játszó Inhof László adottságai /termet, orgánum, mimika/,
amelyeket meggyőzően kamatoztat, lehetővé teszik, hogy határozott, céltudatos
uralkodót jelenítsen meg – paradox módon így derülhet ki, hogy az egyre
vészjóslóbb események során e biztonság úgy ahogy van, álca és látszat, s
mögötte egy kisszerű, megvetést érdemlő figura leskelődik.
Hamlet
szerepében Zakariás Máté eredendően kulturált, intellektuális, emelkedetten körültekintő fiatalembert jelenít meg,
kulturáltan. Ez a Hamlet ugyanakkor kissé jól nevelt - jellemének az a meghökkentő
és talányos összetettsége nem mindig érezhető, amelyet ő maga magáról, ill.
róla Ophélia fogalmaz meg, ill. amelyet a kibontakozó események tanúsítanak.
Mely utóbbiak során tanúi vagyunk a személyiség végleges szétesése
/emblematikus!/ rémének, bár reménykednénk, hogy ez végleg mégsem következhet
be.
Mikuli János
Polonius szerepében telitalálat. Polonius, nyilván belsőleg, kopott és
megviselt figura. De mégis mindig látványossá kell tennie magát / nem lehet véletlen,
hogy a reflektor talán őt világítja meg a leggyakrabban/, hogy megfeleljen, és
hogy minden kétséget kizáróan hitelesnek látsszon. Hamlet mellett – némi
aktualizálással - akár ő lehetne a másik főszereplő: az önmagát folyvást eladó,
önmagára reflektálni képtelen emberben minden jel szerint utolsó percéig már
csak automatizmusok működnek.
A királynőt
Pásztó Renáta formálja meg. Folytonos fenyegetés és fenyegetettség lappang
benne, külsőleg ez következetességgel vegyes szigorúság, talán kissé túlzott
ridegség képében jelenik meg. Ez
a magára vett /erőltetett, kényszerített, vállalt/ magatartás felemészti
énjének jobbik felét. Amikor fiát, tiszteletet kívánó akcióként a tűrhetetlen
magatartásra figyelmeztetve megpofozza, akkor éppen önzése, elesettsége és főként
gyengesége mutatkozik meg.
A Vlasits
Barbara által megszemélyesített Ophélia határozott egyéniség. Szépségét képes
szellemivé konvertálni – de nem minden áron. Mindent tud, de legfőképpen sejt.
Legfőképpen pedig ez utóbbi döbbenti rá, hogy /számára/ már nincs kibúvó /a
legkevesebb lehetősége a fő alakok közül alighanem neki van erre/ és ez
elviselhetetlen terhet ró rá - ekkor már csak a vég marad a megoldás.
Végül néhány szó
a fordításról. A Hamlet néhány magyar nyelvű fordítása közül a klasszikus
értékű kétségkívül Arany Jánosé. Az új átköltés, Nádasdy Ádámé, viszonya
Aranyéhoz és az angol nyelvű Hamlethez, amellett, hogy érdekfeszítő, sokkal
komolyabb feladat annál, hogy itt még csak hozzászólni is indokolt lenne.
Nézőként/hallgatóként azonban annyi talán megfogalmazható, hogy Nádasdy
fordítása a mai nyelvhez közelebb álló, könnyebben felfogható és közelebb visz
a darabhoz, és ez valóban komoly erény. Az Arany János-i nyelv viszont messzibb
távlatokba vezet, amelynek során az utazó számára legalább is sok minden
kockázatosabbá válik. Végül is jó, hogy lehet választani – a lenni vagy nem lenni kérdése úgyis változatlan
marad/t/. Valóban nagy kérdés, itt és most is.
- Káté -
|